Aunque algunos músicos, no todos los que se consideran lo son, saben hacer música a menudo no tienen dotes para la dialéctica, por este motivo algunos de sus comentarios sientan como un jarro de agua fría a cierta parte de la sociedad y es por ello que son estigmatizados, muchas veces, justamente.
Veamos algunos ejemplos:
Neil Young ensalzando al presidente Reagan:
Young nos deleitó con este estribillo en su disco Hawks & Doves (1980)
"Si nos odias, no sabes que es lo que estás diciendo" refiriéndose a EE.UU y transformándose en defensor de Ronald Reagan. Hecho sorprendente, sobre todo si has seguido su carrera. Baste recordar su "Let's Impeach the President" reclamando la destitución de Bush por su inmoralidad.
Bob Dylan asegurando que urgía antes ayudar a los hipotecados granjeros estadounidenses que a los hambrientos de Etiopía:
Declaraciones hechas en los famosos conciertos Live Aid celebrados en los 80:
"I hope that some of the money...maybe they can just take a little bit of it, maybe...one or two million, maybe...and use it, say, to pay the mortgages on some of the farms and, the farmers here, owe to the banks..." cita
Espero que un poco de dinero ... tal vez ellos puedan tomar sólo un poco, tal vez ... uno o dos millones, tal vez ... y usarlo, supongamos, para pagar las hipotecas de algunas granjas y, los agricultores aquí, deben a los bancos...
Eric Clapton denunciando que el Reino Unido acogiera a tantos inmigrantes:
El 5 de agosto de 1976 Clapton habló en contra del aumento de la inmigración durante un concierto en Birmingham. Totalmente borracho, Clapton expresó su apoyo al candidato racista Enoch Powell y anunció que Gran Bretaña estaba en peligro de hacerse "una colonia negra" cita.
David Bowie simpatizando con la imagen nazi:
La imagen que desató la polémica se produjo el 2 de mayo de 1976 cuando en la Estación Victoria de Londres se presento vestido de oficial de las SS y en un mercedes descapotable proclamando su admiración por Gobbels y Speer.
Anteriormente en 1974 ya había antecedentes de sus desvarios ideológicos, quizás aumentados por el consumo de grandes cantidades de cocaína y declaraba "Adolf Hitler was one of the first rock stars ... quite as good as Jagger ... He staged a country".
Aunque la lista de los coqueteos con la imagen e ideología del 3º Reich no se queda en Bowie. Keith Moon batería de los Who, gustaba de vestirse como un nazi -foto de abajo-, o Bobby Gillespie vocalista de Primal Scream, es aficionado a tirar de brazo en alto en sus actuaciones a modo de saludo Hitleriano, probablemente más en homenaje a Iggy que Adolf.
Una de las viñetas de "¡Escucha Esto!", una recopilación de los chistes que Manuel Bartual publica desde hace dos años en un blog de MTV España, en el que se encuentran reglas de asistencia a conciertos, grandes mentiras del mundo de la música y anécdotas de un apasionado de los festivales. ¿Qué hacer si alguien te regala el disco de Scarlett Johansson? ¿Te has dado cuenta de que The Sunday Drivers quiere decir los domingueros? ¿Cuál es la vestimenta adecuada para un concierto de Depeche Mode?. El humor desenfadado de Bartual lanza en "¡Escucha esto!" preguntas como estas, que se cruzan con teorías sobre la evolución o el futuro de la música y situaciones absurdas que el autor ha vivido en conciertos de Tom Waits, Morrrissey, The Cure o Los Planetas.
Jammin 'Johns es una empresa que fabrica guitarras pero que ahora también apuesta por asientos para inodoros, con el fin de que la gente que no puede pasar sin una guitarra ni en sus momentos de máxima intimidad sientan el alivio por partida doble. Una apuesta comercial que supongo, sólo puede llegar desde los Estados Unidos.
Roger Kynard Ericksson nació el 15 de julio de 1947 en Dallas, Texas y comenzó a tocar el piano a la edad de 5 años. Para los 12 años también tocaba la guitarra. Hijo de un arquitecto y una aspirante de cantante de ópera, abandonó los estudios para convertirse en músico profesional. En 1965 firmó su más famosa composición: You're Gonna Mis Me, grabada con un grupo llamado The Spades. Esto llamó la atención de otro grupo local de influencia psicodélica llamado 13th Floor Elevators cuyo letrista Tommy Hall invitó a Roky a unirse al grupo. Rápidamente los Elevators harían su propia versión de You're Gonna Miss Me y llevarían el single al puesto 56 de las listas de Pop en 1966.El éxito obtenido les abriría las puertas de un contrato con International Artists, pero al igual que crecía su fama también lo haría su notoriedad con las leyes locales por el consumo de marihuana y LSD. Se convirtieron así en el objeto de acoso policial y, tras el arresto de Ericksson por posesión de un porro en 1969, éste alegaría locura para eludir la cárcel. Le siguió un periodo de 3 años y media en el Hospital para la Locura y la Criminología. Le fue dignosticada esquizofrenia y sometido a terapia de electroshock, Thorazina y otros tratamientos psicoactivos.
Aunque salió del hospital en 1973, Roky no volvió a ser ya la misma persona. Volvió a tocar con una nueva banda, The Aliens, pero sus canciones (una serie de grabaciones influenciadas por películas de terror) tales como Red Temple Prayer, Don't Shake Me Lucifer y I Walked With a Zombie encontraron poco éxito comercial. Aun así, tenía un grupo de fieles seguidores pero también un ejército de mánagers sin escrúpulos que le hicieron numerosos contratos poco claros que le llevaron a no cobrar un céntimo de muchas de sus publicaciones. En 1982 firmó una declaración jurada declarando que un marciano había invadido su cuerpo y fue gradualmente desapareciendo de la escena musical.
Hacia 1990 Ericksson se las ingeniaba para sobrevivir con los 200$ al mes que le daba la Seguridad Social. Tras un arresto por robo, que fue finalmente retirado, fue internado de nuevo. En 1990 de cualquier manera, artistas como R.E.M., ZZ Top, John Wesley Harding y Jesus and Mary Chain grabaron sun canciones en el disco Where the Pyramid Meets the Eye: A tribute to Rocky Ericksson obteniendo un éxito nunca antes alcanzado. En 1993 Ericksson tocó por primera vez en directo tras muchos años de ausencia en los Austin Music Awards . Unos pocos meses más tarde volvió al estudio con los guitarristas Charlie Sexton y Paul Leary (de Butthole Surfers) para grabar una serie de nuevas canciones.
En 1975 el colega de Leary King Coffey publicó el disco de Roky Ericksson All That May Do My Rhyme en su sello Trance Syndicate. 4 años más tarde publicaría también Never Say Goodbye: una colección de grabaciones privadas e inéditas de Ericksson.
En el 2001 Sunner Ericksson, su hermano y reconocido músico clásico, obtuvo la custodia de Rocky, que gozaba ya de muy mala salud. Bajo la estrecha vigilancia de su hermano, Roky comenzó a recibir adecuada atención médica por primera vez en muchos años, así como un más adecuado tratamiento para sus problemas psicológicos. También consiguió una adecuada defensa para sus asuntos legales lo que hizo que empezara a obtener algún beneficio de sus composiciones.
Un recuperado Roky comenzó a reaparecer públicamente en Austin, Texas y en Marzo del 2005 participó en un foro público sobre 13th Floor Elevators en la Southwest Music Conference. Hizo también un breve aparición musical con los Explosives y un documental sobre él fue presentado en el Southwest Film Festival. Esta explosión de actividad coincidió con la publicación de una antología en doble CD sobre su obra titulada I Have Always Been Here Before: The Rock Ericksson Anthology.
- La música de los 'elevadores de la treceava planta' es totalmente desquiciada y sucia, esto con la ayuda del “electric jug” (literalmente jarro eléctrico), que básicamente era un jarro con un micrófono que producía un sonido bastante curioso e hipnótico. A diferencia de la mayoría de los grupos de la movida hippie o psicodélica de USA que basaban su sonido en el Folk Rock, los Elevators basaban su música en el Garage Rock, esto provocó que fuera mucho más oscura, inaccesible y machacante a los oídos que la de otros grupos, las guitarras son sucias, hipnóticas y etéreas, mientras que la sesión rítmica puede parecer monótona, pero nos lleva a lugares que jamás habíamos visitado dentro de nuestra mente, todo esto acompañado del sonido único del jarro eléctrico y la forma desquiciada forma de cantar de Roky sus líricas llenas de referencias “semi-ocultas” al uso de drogas como portal a una nueva experiencia trascendenta (fuente: http://loud.cl/el-fabuloso-mundo-de-los-13th-floor-elevators) - Existe un documental bastante bueno del dirigido por Keven McAllester en el año 2005, sobre la vida de Roky Erickson llamado 'You´re gonna miss me'.
- En la actualidad Roky Erickson sigue presentandose esporadicamente dando conciertos en festivales como el de Coachella en el 2007.
Rosetta Tharpe (20 de marzo de 1915 –9 de octubre de 1973), también conocida como Sister Rosetta Tharpe, fue una pionera vocalista de gospel que adquirió gran popularidad en los Estados Unidos en las décadas de 1930 y 1940 con su mezcla única de letras espirituales y acompañamiento rock and roll. Devino la primera gran estrella de la música gospel en los años treinta y es conocida como 'original soul sister'.En un intento de cruzar la línea entre la música sagrada y la música laica tocando su música espiritual 'luminosa' en la 'oscuridad' de los clubs nocturnos y salas de conciertos con grandes bandas como acompañantes, su idiosincrático estilo dejó una marca en los artistas gospel más convencionales como Ira Tucker, o los Dixie Hummingbirds. Aunque ofendió a muchos fieles con sus incursiones en la música pop, nunca dejó la música gospel.
Nacida Rosetta Nubin en Cotton Plant, Arkansas, empezó a tocar y cantar a la edad de cuatro años, anunciada como 'La pequeña Rosetta Nubin, el milagro de la guitarra y el canto', acompañando a su madre la evangelista de la Iglesia de Dios en Cristo (Church of God in Crhrist, COGIC) Katie Bell Nubin, que tocaba la mandolina y predicaba en iglesias del Sur. Expuesta al blues y al jazz en el Sur y después de que su familia se mudara a Chicago en los años veinte, empezó a tocar blues y jazz en privado, mientras seguía tocando gospel en eventos públicos. Su estilo único reflejaba estas influencias laicas: tocaba las notas como los músicos de jazz y pinzaba la guitarra como Memphis Minnie, la más prolífica y popular mujer del blues de la época, si no de la historia.
En 1970, durante una gira de Europe con Muddy Waters, Tharpe se enfermó, y tuvo que volver a los Estados Unidos, donde, debido a la diabetes, se le amputó una pierna. Aunque dio más actuaciones, murió en 1973.
DATOS CURIOSOS:
- Inicia la era del Gospel moderno gracias a sus exitosas grabaciones - 'My Journey To The Sky' constituye la banda sonora de House en la segunda temporada. - Fue una de las grandes influyentes en la música del mítico Elvis.
Otis Redding fue un cantante de soul nacido en Georgia el 9 de septiembre de 1941 y muerto en un accidente aéreo en Madison, Wisconsin, el 10 de diciembre de 1967. Fue apodado como "King Of Soul", en reconocimiento a su habilidad para transmitir emociones a través de su voz. Según el sitio web del Museo de la fama del Rock and Roll Rock and Roll Hall of Fame (donde fue incluido en 1989) el nombre de Redding es "sinónimo del Soul, música derivada della experiencia afroaméricana y la transformación del gospel y el rithym and blues en una forma de funky secular". También el critico de rock Jon Landau dijo en 1967 "Otis Redding es Rock & Roll". Redding murió en un accidente áereo a los 26 años y conoció su mayor éxito de forma póstuma con el tema "Sittin' on the dock of the bay" relanzado un mes más tarde. Fue también conocido por formar un dúo junto a Carla Thomas.
Otis Redding nació en Dawson (Georgia , Mississippi Estados Unidos) el 9 de septiembre de 1941 pero a los cinco años se mudó a Macon, la tierra de Little Richard. Redding en sus inicios se vio influenciado por Little Richard. Sus primeras grabaciones revelan esa tendencia, si bien ejecuta bien los temas, estos carecen de la originalidad que posteriormente le caracterizaría.
En 1960 empezó a actuar con Johnny Jenkins, precisamente en unas sesiones de grabación de éste para Stax, aprovechando los minutos restantes ya pagados de la sesión, Jim Stewart (co-propietario de Stax) dejó que Otis grabase dos temas, uno de ellos fue el conocido "These Arms Of Mine", que posteriormente sería su primer éxito.
Su estilo no era revolucionario en su concepto, pero sí lo era la forma de ejecutarlo. Su voz podía pasar de ser aterciopelada a ser una voz rasgada, rota y rompedora. Pasaba de las baladas más tiernas a canciones como "Shake" o su versión de "Satisfaction", que sorprendió agradablemente a los mismos Rolling Stones.
En los tiempos que corrían, los productores, compositores y arreglistas, eran los que tenían en muchas ocasiones la carga creativa, dejando a los intérpretes de soul reducidos a ejecutores de lo que otros escribían, también el éxito llegaba en demasiadas ocasiones a golpe de single careciendo estos interpretes de un proyecto o concepto que englobase un LP entero.
Otis Redding compuso muchos de sus temas más conocidos, y mantuvo un control inusual de sus temas, por supuesto no debemos olvidar las colaboraciones con Steve Crooper, que despuntó como uno de los compositores de Soul de aquella época, así como instrumentista y uno de los responsables de lo que se denominó sonido Memphis junto con los Memphis Horns.
Posteriormente fundaría Jotis, una productora con la que produciría a otras cantantes que estaban empezando, uno de los éxitos de Otis Redding en la producción fue la canción "Sweet Soul Music", interpretada por Arthur Conley Jr.
Otis demostró estar preocupado por los derechos civiles y le ocupó una parte de su tiempo en los últimos años.
A comienzos de 1967,la revista Melody Marker le otorga el título de mejor cantante del año, reemplazando a Elvis Presley que lo había sido durante los nueve años anteriores.
En junio de ese mismo año, en el Festival benéfico Internacional de Monterrey, entre un plantel de figuras del Rock como Jimi Hendrix o The Who, es aclamado por una multitud de 55.000 jóvenes norteamericanos en pleno verano del amor, siendo así adoptado por el movimiento hippie.Un desgraciado accidente la mañana del 10 de diciembre de 1967 en Lake Monona, en las afueras de Madison (Wisconsin), a sólo tres minutos de su destino, acabó con su vida y con todos los miembros, excepto dos, del grupo de acompañamiento Bar-Keys (James Alexander y Ben Cauley), al estrellarse su avioneta. A sus funerales asistieron más de 5000 personas en el auditorio municipal de su adoptiva Macon. Mientras la muchedumbre seguía los oficios en las calles, en la ceremonia se vieron muchas caras conocidas del mundo soul como James Brown, Aretha Franklin, Stevie Wonder; cantaron Joe Simon y Johnny Taylor con acompañamiento al órgano de Booker T. Jones, mientras Sam and Dave y la pléyade de la casa Volt transportaban el féretro.
Desaparecía con tan sólo 26 años. No disfrutó del éxito de su primer número uno con el tema 'Sittin' the dock of the bay', un tema que marcaba un cambio en su manera de interpretar, algo que él mismo denominó "folk-soul", un estilo que marcaba un quiebre con el soul más tradicional.
Si algo parece cierto en la vida de Redding (por la unanimidad en las opiniones de quienes le rodeaban) era su personalidad excepcional y generosidad. Todos lo que fueron y son entrevistados hoy día, lo recuerdan con nostalgia, incluso le siguen dedicando temas en sus conciertos. William Bell le ofrendó una canción titulada "a tribute to a king". Asimismo Jim Morrison introdujo una dedicatoria al recién fallecido Otis en el tema "Running Blues": "Poor Otis dead and gone/Left me here to sing his song/Pretty little girl with the red dress on/Poor Otis dead and gone". También la banda francesa MAGMA, bajo la dirección de su creador Christian Vander, en 1981 crea el tema "OTIS". También es innegable su influencia en el Soul de su época y posterior a él, influencia más desconocida por el público de fuera de los EE.UU.
- Junto con los miembros de Booker T and the Mg’s y la cantante Carla Thomas, Otis Redding fue uno de los artífices de lo que hoy se conoce como sonido Memphis y sin duda fue el artista más exitoso de la discográfica Stax.
- Dejó pronto el colegio para ayudar económicamente a su familia y empezó a trabajar con la banda Upsetters. En esa época participaba en un concurso de talentos, que después de ganarlo 15 veces no le permitieron participar más.
Salif Keita es reconocido en todo el mundo tanto como uno de los impulsores del afropop como por la calidad de su voz, sus presentaciones en vivo y por haber sido el primer líder de grupo africano en ser nominado a un premio Grammy.
Keita ("la voz dorada del África" como también se lo conoce) nació en Malí, en 1949, en el seno de una familia noble descendiente de Sunjata Keita, el fundador del imperio de Malí en 1240. Albino de nacimiento y pobre de visión (también su familia era de condición humilde pese a su condición de noble), Salif sufrió la discriminación de su pueblo que veía en el joven la encarnación de un poder maligno, a tal punto que para no enfrentarse con él escupían al suelo, un método que, según ellos, servía para alejar los espíritus del mal. Además de estos problemas, Keita encontró la oposición de su familia cuando les anunció el deseo de convertirse en cantante ya que sólo la clase inferior de los jalis se dedican a la música.
A los 18 años, tomó la iniciativa de dejar Djoliba, su pueblo natal y mudarse a la capital del país, Bamako. Allí pasó un tiempo como músico callejero y cantando en bares hasta que se unió a la Rail Band, una agrupación patrocinada por el estado nacional que tenía su sede en el hotel de la estación de trenes de la ciudad. La Rail Band fue, en su momento, una importante plataforma de lanzamiento para muchos músicos de la zona, de los cuales Kante Manfila y Mory Kanté han desarrollado una carrera internacional. El grupo también se destacó por ser uno de los primeros en incorporar el sonido eléctrico a la música mandinga.
En 1973 Salif y Kante Manfila dejaron la Rail Band y se unieron a Les Ambassadeurs, que al tiempo se transformará en Les Ambassadeurs Internationales. Pero el clima político y social que se vivía por entonces en Malí y las pocas posibilidades de expansión, obligaron a los músicos a trasladarse al sur e instalarse en Abidjan, la capital de Costa de Marfil, en donde tuvieron la oportunidad de grabar y de actuar en vivo.
Después de una década de trabajo, en 1984 Les Ambassadeurs Internationales se disolvió y Salif Keita se mudó a Francia donde dio forma a su carrera en solitario.
Tras la publicación de su debut, el clásico "Soro", de 1987, Keita firmó para el sello de grabación Island. Dos años después lanzó "Ko Yan", el cual le permitió vincularse al austriaco Joe Zawinul, ex líder de Weather Report. Fue este músico quien produjo su siguiente disco, "Amen" (1991), con la participación de, entre otros, Carlos Santana, Wayne Shorter y varios músicos de Malí y de Francia. Esta grabación le dio a Keita una nominación al Grammy de ese año.
Durante la década del '90, Salif y su grupo, con músicos de Malí y de Estados Unidos) dieron conciertos en escenarios de todo el mundo. Su disco "Papa" (1999), se grabó en París, Nueva York y Bamako con invitados muy especiales como Grace Jones, John Medeski y Vernon Reid (ex-Living Colour).
Procol Harum es una banda inglesa de rock formada en la década de 1960 que tuvo una gran influencia en el nacimiento de lo que después sería denominado rock progresivo; su fama mundial reside en su único éxito musical llamado "A Whiter Shade of Pale", la cual se considera su melodía de culto a través de los años y su carrera.
Algunas de las raíces de Procol Harum se encuentran en la banda liderada por Gary Brooker y Robin Trower llamada The Paramounts, la cual logró cierta popularidad a principios de la década de los años 60 al firmar con el sello Parlophone en 1963 y lograr un éxito modesto en la Gran Bretaña con su versión al tema de Jerry Leiber y Mike Stoller: "Poison Ivy" (Hiedra Venenosa) en el año 1964. Incapaz de mantener el éxito, la banda se disolvió en 1966.
A principios de 1967, Brooker comenzó a trabajar como cantautor y formó Procol Harum en abril de 1967, reunió al poeta Keith Reid, Mattew Fisher (organista), Ray Royer (guitarrista) y a David Knights (bajista). Al lado del baterista de estudio Bill Eyden, el productor Denny Cordell y el Ingeniero de Sonido Keith Grant la agrupación grabó el tema: "A Whiter shade of Pale". La canción fue lanzada el 12 de mayo de 1967, con el sucesivo éxito del tema y de la canción de The Moody Blues "Nights in White Satin" (Noches de Blanco Satén) su sello fonográfico Deram Records se convirtió en la primera discográfica de rock progresivo conocida.
Con cautivante tonalidad y su sabor a Bach, ambos provistos por Fisher, su interpretación sentida y letra misteriosa, "A Whiter Shade of Pale" alcanzó la posición número 1 en las listas de popularidad del Reino Unido y logró posicionarse en 5 lugar en las listas americanas, convirtiéndose desde entonces en un tema clásico en la historia musical.
Justo después del lanzamiento de su gran éxito la banda emprendió una gira; debutando como teloneros de Jimi Hendrix en 1967.
La trayectoria del grupo siguió con su sencillo "Homburg", y con un cambio de alineación al incorporar a dos ex miembros de The Paramounts, B.J. Wilson en la batería y a Robin Trower en la guitarra, logrando un decoroso 6o lugar en las listas del Reino Unido, pero su larga duración "Procol Harum" fue menos exitoso que el anterior. Una serie de sencillos posteriores figuraron en posiciones demasiado bajas y rara vez figuraron simultáneamente en E.U.A. y su tierra natal. A mediados de la década de 1970, las ventas del grupo siguieron descendiendo. Su última canción en alcanzar el top 20 en el Reino Unido fue "Pandora's Box", en 1975. Dos años después la banda se separó definitivamente, reuniéndose sólo cinco meses después cuando "A Whiter Shade of Pale" fue nombrada como el mejor single de pop de Gran Bretaña entre 1952 y 1977, compartiendo el galardón con "Bohemian Rhapsody" de Queen.
Procol Harum se reformó en 1991 con Brooker, Fisher, Trower y Reid, después de que Wilson muriese en 1990. Esta formación editó el álbum The Prodigal Stranger, de escaso éxito. Después de ello, la banda se embarcó en una gira por los Estados Unidos sin Trower, seguida de una nueva etapa de inactividad.
En julio de 1997, los fans de la banda, en celebración del 30º aniversario de la publicación de "A Whiter Shade of Pale", pidieron que Procol Harum regresase a los escenarios. Esto se produjo en la ciudad inglesa de Redhill, congregando a fans de todo el mundo.
A finales de 1999, el vocalista Gary Brooker prometió que la banda tocaría en directo en 2000. En septiembre de ese año, Procol Harum tocó un concierto al aire libre con la New London Sinfonia en Guilford, Inglaterra. Desde el año 2001, el grupo ha llevado a cabo varias giras por Europa, Japón y Estados Unidos. Estas giras dieron como resultado varios DVD en directo, grabados en Copenague (2002) y Londres (Live at the Union Chapel, 2004). En 2003 se editó el disco The Well's on Fire.
Los posteriores shows en directo de la banda dejaron como único intérprete original a Gary Brooker.
DATOS CURIOSOS:
- La canción " A Whiter Shade of Pale, compuesta por Keith Reid, son frases abstractas que relatan la relación entre un chico y una chica, era la canción favorita de John Lennon y Paul McCartney que admitieron que no se cansaban de escucharla.
- Existen dos versos adicionales que Procol Harum los incluye en sus presentaciones y conciertos. La canción tiene unos acordes que van progresivamente, siendo similares, en algunos puntos, a los de “When a Man Loves a Woman” de Percy Sledge, aunque su línea melódica es muy diferente.
- Es la progresión de acordes, línea melódica y letra que, en conjunto, hacen que sea una canción con una entidad artística única.
- En la letra, donde dice ‘As the miller told his tale’ (Mientras el molinero contaba su cuento), puede ser una referencia a “El Cuento del Molinero” de la novela inglesa “Cuentos de Canterbury.” Esta historia es bien conocida por los estudiantes ingleses o de literatura inglesa por ser un cuento algo vulgar y subido de tono que es contado por el molinero.
La aparición en 1966 de grupos como Cream y el resurgimiento del blues más avanzado, superando la etapa inicial de rhythm and blues y configurándose en base del rock más psicodélico, propiciaron la aparición de nuevas bandas inglesas en esta línea.
Entre estos grupos pronto destacó Ten Years After, formada por Alvin Lee (19 de diciembre de 1944, Nottingham), guitarra; Ric Lee (20 de octubre de 1945, Cannock, Staffordshire), batería; Leo Lyons (30 de noviembre de 1944, Stanbridge, Bedforshire), bajo; y Chick Churchill (2 de enero de 1949, Molt, Flintshire), teclado.
En mayo de 1967, debutaron en el séptimo festival de jazz y blues de Windsor. Su fama se disparó entre ese año y 1969, con sus cuatro primeros álbumes: 'Ten Years After', 'Undead', 'Stonehenge' y 'Ssssh'.
La consagración les vino en el festival de Woodstock, donde ejecutaron el tema 'I'm Going Home', que colocó a Alvin Lee entre los líderes de la guitarra de su tiempo. La película que se hizo sobre el memorable festival muestra una impresionante actuación de Ten Years After, con este tema de 11 minutos de duración.
Participaron también en el Festival de la Isla de Wight de 1970, y luego publicaron los álbumes 'Cricklewood Green' y 'A Space in Time'. Este último disco marcó su declive, acentuado después del gris 'Rock and Roll Music to the World' (1972). A space in time fue tal éxito en Estados Unidos que el grupo no paraba de hacer giras por todo el país, ese fue el factor que les hizo decaer, pues, según palabras de Alvin Lee, se negaban a ser una gramola andante.
En 1973 apareció el doble álbum grabado en directo en esas circunstancias, y en 1974, Positive vibrations fue su último disco, aunque posteriormente se editara 'Goin' home!', recopilación de éxitos y de su triunfo en Woodstock.
Alvin Lee, que había grabado ya en solitario con Mylon LeFevre siguió dando conciertos en solitario y formó sucesivos grupos bajo su liderazgo.
El propósito inicial del grupo es fundir el flamenco con el rock progresivo, con la vista puesta en grupos como Vanilla Fudge y los primeros King Crimson.
Sus tres primeros discos reflejan claramente las citadas tendencias. El Patio, su debut, tiene un gran éxito entre la juventud más inquieta, a pesar de una promoción prácticamente nula. Contiene dos canciones que se convierten en clásicos del grupo y crean escuela dentro del rock andaluz: Abre la puerta y En el lago, evocación soñadora de un viaje lisérgico.
En Hijos del agobio, 1977, editado en un momento muy especial de la historia de España, se abren paso los temas políticos: exaltación de la libertad ("La guitarra a la mañana le habló / de libertad", cantan en Rumor) y al mismo tiempo desconfianza de la política organizada ("todos pretenden saber y decir lo que piensa usted / con elegantes palabras y el gesto duro a la vez. / Queremos elegir, / sin que nadie diga más / el rumbo que lleva a la orilla de la libertad", en el tema ¡Ya está bien!).
Finalmente, Sombra y luz (1979) recupera los aspectos más progresivos; la música es más oscura y experimental que en los discos anteriores, con elementos de jazz (Sombra y luz) y mayor presencia de la guitarra eléctrica (Una historia). Sólo uno de los temas (Quiero contarte, reescritura en cierto modo de Abre la puerta) mantiene cierta frescura pop.
Tras esta trilogía progresiva, el grupo se pierde en su camino hacia una sonoridad más comercial. No obstante, tiene aún aciertos tan notables como el sencillo Tu frialdad (1980), su único número uno, o Llegó el día (1983), el tema más largo jamás grabado por el grupo, que da título a su último álbum.
La muerte en accidente de circulación de Jesús de la Rosa el 14 de octubre de 1983 pone fin a la vida creativa del grupo.
The Allman Brothers Band es una banda seminal del denominado rock sureño originaria de Macon, Georgia, EE. UU., descrita por el Salón de la Fama del Rock como "los principales arquitectos del rock sureño".El grupo se formó en 1969 y dos años más tarde George Kimball los describió en la revista Rolling Stone como la mejor banda de rock and roll que se había creado en Estados Unidos en los últimos cinco años.
La banda ha obtenido once Discos de Oro y cinco de Platino entre 1971 y 2005.Rolling Stone clasificó a The Allman Brothers en el 52º puesto en su lista de los 100 artistas más grandes de todos los tiempos.El grupo sigue en activo en la actualidad.
Musicalmente, The Allman Brothers Band es considerada, junto a Lynyrd Skynyrd, como banda seminal del Rock Sureño. El grupo destacó por su habilidad y coherencia instrumental, su estilo a medio camino entre el blues, el blues rock y el jazz y por su infinita capacidad colectiva para la improvisación, (jamming). Todas estas características son especialmente plausibles en sus directos, bien ejemplificadas por su álbum At Fillmore East, donde improvisaciones como Whipping Post superan los 20 minutos.
La banda se formó en Jacksonville, Florida el 26 de marzo de 1969. La formación original estaba compuesta por Duane Allman (guitarras solistas y slide), Gregg Allman (voces y teclados), Dickey Betts (guitarras rítmicas y solistas, voces), Berry Oakley (bajo eléctrico), Butch Trucks (percusión) y Jai Johanny "Jaimoe" Johanson (percusión). Los hermanos Allman, Duane y Gregg, formaron inicialmente una banda de garage llamada The Escorts, posteriormente formaron los Allman Joys y finalmente The Hour Glass con los que trabajaron en dos álbumes para la discográfica Liberty Records y un tercero que no llegó a editarse. El grupo fue liberado del contrato con Liberty a excepción de Gregg, de quien la discográfica pensaba que tenía un mayor potencial comercial. Duanne Allman compatibilizó su trabajo como músico de estudio para el álbum de Johnny Jenkins “Ton-Ton Macoute!”, donde puede oírse la primera grabación de un solo de guitarra de Duanne, con la realización de jams con Dickey Betts, Butch Trucks y Berry Oakley en Jacksonville. Duanne trajo a la germinal banda a “Jaimoe” y finalmente llamó a su hermano Gregg para acabar de completarla.
The Allman Brothers Band recorrieron el sur de los Estados Unidos realizando numerosas actuaciones en directo antes de grabar su álbum de debut “The Allman Brothers Band”. Este primer álbum obtuvo la aclamación general de la crítica especializada, aunque las ventas fueron escasas y únicamente llegó a los seguidores de culto del blues rock. La mayor parte del álbum estaba formado por piezas de clásico blues rock, pero destacaba por su germinal importancia 'Dreams' una pieza en compás 12/8 que proporcionaría la estructura rítmica de muchas de sus actuaciones en directo. Su segundo trabajo, "Idlewild South" (1970), producido por Tom Down, obtuvo un másivo éxito de crítica y una importante mejoría en las ventas. Temas como 'Revival' o 'Midnight Rider' con un sonido y duración más aptos a la reproducción radiofónica, facilitaron la popularización de la banda. Tras la grabación de este álbum, Duanne participó en la grabación del celebérrimo álbum de Derek and the Dominos “Layla and Other Assorted Love Songs” lo que aumentó la fama del grupo y facilitó su éxito en Europa.
El año 1971 catapultó al grupo a la altura de leyendas del Rock. Durante los conciertos que el grupo realizó en la sala Fillmore East el 12 y 13 de Marzo, se grabó la esencia del virtuosismo y capacidad de improvisación del grupo. Aquellas sesiones quedaron registrada finalmente en un doble álbum “At Fillmore East” incluido por la revista Rolling Stone dentro de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. “At Fillmore East” fue un vehículo de presentación mundial de la rica mixtura de jazz, música clásica, hard rock y blues que eran los Allman Brothers Band. 1971 habría sido el mejor año de la historia del grupo de no ser por la desgracia que les esperaba a la vuelta de la esquina: el 29 de octubre de 1971, muere Duane Allman en un accidente de motocicleta en Macon (Georgia). Duane fue fundador, líder y principal artífice de la mixtura de sonidos del grupo. Este virtuoso guitarrista, famoso por su toque de guitarra slide, será recordado además por su participación en el disco de Eric Clapton "Layla and Other Assorted Love Songs" (1970). Lynyrd Skynyrd le dedicaron la canción "Free Bird".
Un año después, el 11 de noviembre de 1972, el bajista Berry Oakley también moría en accidente de motocicleta a pocas manzanas de donde lo hizo Duane. Berry no murió en el acto, pues tras el accidente se negó a recibir asistencia médica y murió pocas horas después de una hemorragia cerebral.
Ambos músicos están enterrados en tumbas contiguas en el cementerio de Macon (Georgia) donde el grupo compuso algunos de sus primeros temas como "In Memory of Elisabeth Reed" o "Little Martha", títulos que sacaron de lo que ponía en dos lápidas de dicho cementerio.
La muerte del guitarrista y líder del grupo, y la posterior de su compañero, no puso fin a la carrera del grupo que cosecharon importantes éxitos con posterioridad con temas como el instrumental "Jessica", que apareció en el disco "Brothers and Sisters", de 1973, donde aún tocaba Oakley en algunos temas. La banda continuó sacando periódicamente trabajos hasta 1981 y, tras casi una década de descanso, reaparecieron en 1990 con el álbum "Seven turns".
Algunos de sus miembros siguen activos en Gov´t Mule, también haciendo blues rock.
- The Allman Brothers siempre han tocado con dos baterías, lo que, especialmente en directo, le da un toque particular a su sección rítmica. Otra de las peculiaridades del grupo era su costumbre de ensayar en un cementerio, llegando incluso a poner el nombe de algunas difuntas a canciones, como el instrumental jazzy "In memory of Elisabeth Reed" o "Little Martha", dedicada a una niña a quienes sus padres habían erigido una bonita estatua de mármol blanco.
- Al grupo no le gustaba nada posar para los fotógrafos. Para la portada del disco de 1971 The Allman Brothers Band At Fillmore East, el fotógrafo no conseguía tomarles una instantánea. Duane Allman se marchó a ver a un amigo y regresó con una bolsita de cocaína. En ese momento, todos se echaron a reír y el fotógrafo disparó su cámara. Aquellos que lo sabían se dedicaron a revelar a los demás qué era lo que realmente escondía Duane Allman en sus manos en el centro de la fotografía y la causa de tanto jolgorio (vean la diferencia en sus rostros comparando con la primera foto de cabezera).
