29 diciembre 2010

THEM

Pese a contar con una de las formaciones más inestables de la historia del rock, los Them consiguieron abrirse un hueco entre Rolling Stones, Animals y compañía para erigirse como uno de los mejores combos de Rythm and Blues de la época, si bien no obtendrían el éxito comercial deseado.
La banda se formó en 1963 en Belfast (Irlanda del Norte), y estaba capitaneada por el vocalista Van Morrison, un chaval canijo y pelirrojo capaz de cantar con la intensidad de los artistas negros, que anteriormente había estado al frente de los Monarchs. Billy Harrison (guitarra), Jackie McAuley (teclados), Alan Henderson (bajo) y Pat McAuley (batería) acompañaban en esos primeros tiempos al León de Belfast.
Ya en 1964, con un estilo ya consolidado, la banda se trasladaba a Londres tras fichar por la omnipotente Decca. El primer sencillo, "Don't Start Crying Now" / "Two Brown Eyes", aparecería en julio de ese mismo año y pasaría totalmente desapercibido. Una vez en Londres, los cambios de formación se sucederían a un ritmo vertiginoso, dificultando enormemente la cohesión del grupo. Esta inestabilidad se prolongaría hasta la desintegración final de la banda.
Aparte de este puñado de singles, la banda publicaría también dos LPs, Them (abril de 1965) y Them Again (enero de 1966), que combinaban excelentes versiones de clásicos del Rhythm and Blues y el Soul con algunas composiciones propias.
Sin embargo, en junio 1966 a Van Morrison se le había quedado pequeño el grupo, con lo que decidió marcharse para emprender una impresionante carrera en solitario. Con la salida del que había sido el cerebro y alma del grupo (que sería sustituido temporalmente por Keith McDowell), los Them sufrieron una división: por un lado apareció la banda The Belfast Gypsies, con un sonido muy fiel a la etapa Van Morrison; mientras que por otro hacía acto de presencia un grupo de orientación psicodélica que continuaba manteniendo el nombre de Them.
Los Belfast Gypsies sólo publicarían un LP, que merece ser escuchado por todos los fans de los Them originales; mientras que los segundos Them llegarían a publicar cuatro olvidables discos antes de desaparecer.
El siguiente single se convertiría en el primero de los escasos éxitos de Van y compañía. Se trataba de "Baby Please Don't Go" / "Gloria", que alcanzaría la décima posición de las listas británicas. La cara A era una excelente versión de un clásico de Rythm and Blues que contaba con la participación a la guitarra de Jimmy Page, en uno de sus múltiples trabajillos como músico de sesión. El tema sería empleado como sintonía por el mítico programa televisivo Ready, Steady, Go!.

Babe Please Don´t Go

"Gloria", con sus básicos acordes de guitarra, el órgano y el imponente chorro de voz de Morrison, se convertiría en todo un clásico de la década que sería adoptado por centenares de bandas (sobre todo en la escena garage americana, donde el tema calaría más hondo que en la propia Gran Bretaña), desde los Doors hasta los Shadows Of Knight (cuya versión alcanzaría un éxito notable).
"Here Comes the Night", una balada escrita por el productor de la banda (Bert Berns), alcanzaría la segunda posición en las listas británicas y se convertiría en el mayor (y último) hit de la banda. El sencillo, publicado en febrero del 65, incluía también "All For Myself", un notable tema de R&B ideal para que Van se luciera en el apartado vocal. En enero había aparecido un EP titulado Them que recogía los dos primeros singles de la banda.
Después de "Here Comes The Night" llegarían "One More Time" / "How Long Baby" (junio del 65), "It Won't Hurt Half As Much" / "I'm Gonna Dress In Black" (agosto del 65), "Mystic Eyes" / "If You And I Could Be As Two" (noviembre del 65), "Call My Name" / "Bring 'Em On In" (marzo del 66) y "Richard Cory" / "Don't You Know" (mayo del 66). Todos los singles eran excelentes demostraciones de buen Rythm and Blues, tan competente como el de los Rolling Stones y compañía, pero serían ignorados por el público. Sólo la antológica "Mystic Eyes" lograría un cierto éxito al alcanzar el Top 40 norteamericano.

Mystic Eyes

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JETHRO TULL

Era el final de 1967 y cuatro jóvenes con aspiraciones se reunieron en Lutonun pueblo al sur de Londres, ellos formaron la “John Evan Band and McGregor’s Engine”. Una experiencia que se estrelló antes de despegar. De las cenizas, emergieron los talentos de Ian Anderson, Mick Abrahams, Glen Cornick y Clive Bunker en algo que llamaron Jethro Tull. El nombre de la banda, extraño como suena, tiene un origen no menos particular. Ellos cambiaban de nombre permanentemente porque, como no tocaban nada bien, no eran admitidos en muchos clubes. Su agente, revisó libros de historia y llegó con el nombre de Jethro Tull, un agricultor inglés que había inventado un sistema revolucionario para la siembra. En febrero de 1968, este fue el nombre que adoptaron para la presentación en el famoso “Marquee Club” de londres cuando se les ofreció tocar los jueves por la noche.
Un mes después se había colocado como el nuevo rostro del blues británico en el ambiente underground. Las filas se empezaron a hacer más largas; y la insistencia de John Peel y Brian Mathews de la BBC y del dueño del club John Gee en la gente para que la gente conociera la banda, fue decisiva en esos primeros meses de existencia.
Con el primer lugar en las listas inglesas de álbumes, fue fácil salir de la sombra de bandas como Led Zeppelin y colocarse dentro del mercado norteamericano. Así, lograron portadas de las revistas Time y Rolling Stone, cinco noches en el Foro de Los Ángeles y tres noches en el Madison Square Garden de Nueva York.
“Benefit”, “Aqualung” y los llamados álbumes conceptuales “Thick as a Brick” o “A Passion Play” confirmaron la tendencia al rock progresivo o, como también fue bautizado, rock-arte, blues-rock, folk-rock y hard-rock. Semejante cantidad de calificativos solo pueden decir lo difícil que era encajonar el estilo propio de una banda.
Vino un reacomodo y Jeffrey Hammond reemplazó a Cornick en el bajo, Barrimore Barlow a Bunker en la batería y entró John Evan a tocar el piano. Todo esto facilitó la transición de la banda “blusera” del 68 a la agrupación que se hizo famosa a mediados de los años 70, que les permitió llenar el Shea Stadium de Nueva York desde que tocaron allí los Beatles. Sin embargo, el éxito no fue limitante para que su música fuera crítica, controversial y, a veces, una paradia de sí mismos.
A finales de los años 70 e inicios de los 80 la banda produjo discos y giras, que si bien no tenían el éxito numérico de sus predecesores, fueron una prueba de la aceptación de la gente a la costumbre de Jethro Tull de reinventarse regularmente.
Nuevamente, la banda fue rearmada y músicos como David Palmer, John Glascock, Dave Pegg, Doane Perry, Andrew Giddings y Jonathan Noyce empezaron a tener más influencia en la creación de nuevos materiales. Esto fue lo que le valió la sobrevivir como banda al final de los ochenta y los noventa.
En la actualidad la agrupación la integran Ian Anderson en la flauta, voces, guitarra acústica y la mandolina; Marin Barre en la guitarra eléctrica; Doane Perry en la batería; Andrew Giddins en los teclados; y Jonathan Noyce en el bajo.
Hoy, con 60 millones de discos vendidos, 2 500 conciertos en cuarenta países, la banda sigue tocando unas cien presentaciones anuales para 300 mil espectadores. A pesar de los años, siguen congregando gente en Estados Unidos, Europa y América Latina.

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PINK FLOYD

Grupo británico de pop rock, integrado originalmente por Syd Barret (Cambridge, Reino Unido, 1946), Nick Mason (Birmingham, id.,1945), Roger Waters (Cambridge, Reino Unido, 1944) y Richard Wright (Londres, 1945). El grupo pasó por dos etapas bien definidas, la primera con Roger Waters y Syd Barret como líderes creativos (papel que asumió el guitarrista David Gilmour cuando aquél fue expulsado por sus problemas con las drogas), y la segunda tras la marcha de Roger Waters. Su estilo musical psicodélico y las espectaculares puestas en escena de sus conciertos les confirieron una personalidad propia dentro del mundo de la música popular, hasta el punto de considerarlos como los padres de un nuevo estilo que se denominó rock sinfónico. Su popularidad mundial se empezó a gestar con la publicación, en 1973, del disco "Dark Side Of The Moon". En 1980 publicaron el que se convirtió en el disco más reputado del grupo, The Wall, del que tres años más tarde se extraería el filme animado del mismo título, protagonizado por Bob Geldof.

                                          The Wall  -Mother-

En 1983 y coincidiendo con el abandono de Waters, cuyo excesivo protagonismo había enrarecido la convivencia en el seno del grupo, éste se disolvió. Cuatro años más tarde, Mason, Wright y Gilmour se reunieron de nuevo, lo que originó un proceso judicial entablado por Waters sobre la propiedad del nombre original. Resuelto el caso a favor de David Gilmour y compañía, el grupo Pink Floyd regresó al mundo de la música con un disco que se convirtió en un éxito inmediato, "A Momentary Lapse Of Reason" (1987).


Fuente: http://www.biografiasyvidas.com/

DATOS CURIOSOS:

Todas las canciones y letras del album "The Dark Side Of The Moon" de Pink Floyd tardaron en ser escritas 7 semanas.
Existe una leyenda urbana acerca de que el album de Pink Floyd 'The Dark Side of The Moon' y la pelicula del Mago de Oz están perfectamente sincronizados, tienes que poner el disco tres veces seguidas y el album y la película terminaran al mismo tiempo. Incluso hay veces que algunas partes de las canciones se sincronizan con las escenas de la película, algunas llaman la atención otras, no tanto, bajo mi opinión, no son más que chorradas.


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DEEP PURPLE

Deep Purple es una banda de rock formada en Hertfordshire, Inglaterra, en 1968, que está considerada como una de las pioneras del heavy metal y del hard rock, aunque también incorporó elementos del rock progresivo y del pop. A lo largo de su carrera han vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo, y fueron reconocidos como la banda más ruidosa del mundo por el libro Guinness de los récords en los años 70. La banda sufrió múltiples cambios en su alineación y permaneció inactiva desde 1976 hasta 1984. Sus cuatro primeras alineaciones son a menudo etiquetadas como «Mark I», «II», «III» y «IV». La «Mark II», formada por Ian Gillan (voz), Ritchie Blackmore (guitarra), Jon Lord (teclados), Ian Paice (batería) y Roger Glover (bajo), fue la alineación más exitosa y la que mayores ventas ha cosechado, y se mantuvo en activo entre 1969 y 1973 y entre 1984 y 1989, cuando la relación entre Blackmore y el resto de músicos se volvió irreparable. Su alineación actual, que cuenta con Steve Morse en lugar de Blackmore y con Don Airey en lugar de Lord, lleva en activo desde 2002.
Los comienzos: Roundabout (1967 - 1968)
En 1967, el antiguo batería de The Searchers, Chris Curtis, contactó con Tony Edwards, un hombre de negocios londinense, para pedirle si podía ser el representante del nuevo grupo que había ideado, y que iba a llamarse Roundabout, llamado así porque los músicos iban a entrar y salir de él como si estuvieran en una rotonda (roundabout significa «rotonda» en inglés). Su mejor disco, sin duda, "Made in Japan" de 1972.


DATOS CURIOSOS:
El 3 de Junio de 2007, 1683 guitarristas llegados de todas las partes del mundo se dieron cita en Kansas City, Estados Unidos, para batir un curioso record: el mayor número de guitarristas interpretando la canción "Smoke On The Water" de Deep Purple simultáneamente. El record anterior había sido logrado en 1994 en Vancouver, Canadá, cuando 1323 personas interpretaron al unísono con su guitarra el himno hardrockero por excelencia. Los inspectores del Libro Guinness supervisaron atentamente el evento y, después de descalificar por motivos que se desconocen a tres de los participantes, corraboraron el nuevo record en 1680 guitarristas.
Otro dato que se rumorea es que al parecer, un ruido que se escucha en un momento dado en la segunda canción del disco "Made in Japan" llamada "Child in Time", es ocasionado por la pistola de un japonés que asistía al concierto y escogió tan señalado momento para suicidarse entre el público. Nadie se dio cuenta y el concierto siguió. Cuando finalizó el show y el público salío del recinto, había un cadáver en las gradas del Kokusai Forum. Todo parece indicar que se trata de una más de las innumerables leyendas urbanas que colman la historia del rock, ya que jamás se confirmó nada en ese sentido.


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THE BEATLES



El cuarteto (integrado por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr) se formó en 1957 y se disolvió en 1970. A pesar del poco tiempo lograron lo que a otros grupos les llevó años. Se convirtieron en un fenómeno de ventas, que se llamó Beatlemanía, en especial porque sus fans gritaban y bailaban al ritmo de sus canciones. Estuvieron al tope de los rankings tanto en Europa como en los Estados Unidos. Es así que se lo considera uno de las bandas musicales más influyentes y exitosas de la segunda mitad del siglo XX.

Un cambio en la música del siglo XX

La revolución es un cambio brusco, total y radical; eso es lo que sucedió en el rock del siglo XX. Un grupo de jóvenes irrumpieron en el arte musical imponiendo un ritmo hasta ese entonces jamás escuchado. Destacarse y romper con todo lo anterior no es fácil, por eso quienes lo logran pasan a la historia sin más (y con todos los honores). The Beatles consiguieron con su música, su forma de vestir, sus actuaciones, imponer modas y estilos de comportamiento.
A finales de los años cincuenta en el ámbito musical del Reino Unido se inició un movimiento cultural juvenil que fue como una alternativa al dominio estadounidense liderado por Elvis Presley, que partió del ritmo e instrumentación del rock and roll para desembocar en el pop. Y fue en la ciudad de Liverpool donde nació la formación que cambió todo. El nombre del grupo surgió de un juego de palabras creado por el término beetle (escarabajo) y beat (ritmo, compás).
El cuarteto (integrado por John Winston Ono Lennon, James Paul McCartney, George Harold Harrison y Richard Starkey -Ringo Starr-) se formó en 1957 y se disolvió en 1970, pero a pesar del poco tiempo lograron lo que a otros grupos les llevó años. Es así que se lo considera uno de los grupos musicales más influyentes y exitosos de la segunda mitad del siglo XX.

El comienzo de todo
En la segunda mitad de la década de 1950, John Lennon y su amigo Pete Shotton formaron un grupo que se llamó The Quarrymen y al cual, en 1957, se unió Paul McCartney. Le siguió George Harrison. Esta banda empezó a tocar en diversos locales de Liverpool, momento en el que se les unió el bajista Stuart Sutcliffe. El nombre de la formación tuvo variaciones, se llamó primero Long John and the Silver Beatles, luego The Silver Beatles hasta llegar al nombre con el cual el mundo los conoció, The Beatles.
El cuarteto comenzó su carrera en un club nocturno en la ciudad de Hamburgo, Alemania. Poco después, Sutcliffe (el bajista) murió -presumiblemente como consecuencia de un golpe en la cabeza por una paliza-. La formación de The Beatles quedó compuesta por John, Paul, George y Pete Best.
Al volver a su ciudad natal ya eran bastante populares, y conocieron a un joven que pronto se convirtió en su manager, Brian Epstein. Por él, el look de los Beatles en sus primeras épocas fue uniformado y pulcro, aunque la estética de los Beatles al parecer ya tomó forma en Hamburgo de la mano de la fotógrafa y artista alemana Astrid Kirchherr. En un principio, el grupo fue rechazado por muchas compañías de discos. Pero fue George Martin, un joven productor de una subdivisión de EMI -la hasta entonces poco conocida Parlophone- quien los aceptó para grabar un primer disco. En esta instancia Pete Best fue sustituido por Ringo Starr, quien los ayudaba cuando Best no se sentía motivado para colaborar con la banda (se rumorea que fue expulsado por no adaptarse a los cambios que Brian Epstein quería lograr en los Beatles). El resultado fue su primer single, "Love Me Do", que, por ser su primer disco, alcanzó un buen puesto en las listas de ventas.
Sus siguientes lanzamientos, realizados entre 1962 y 1965, los situaron en el número uno, casi simultáneamente a la salida a venta: "From me to you", "She loves you", "I wanna hold your hand", "Can´t buy me love", "A hard day´s night", "I feel fine", "Ticket to ride", "Help!", "We can´t work it out". De esta manera su ascenso fue meteórico, los jóvenes británicos empezaron a copar las listas europeas y el difícil mercado estadounidense, que ya tenía sus propias estrellas.
A mediados de los sesenta, The Beatles vendió cantidades infinitas de su música en formato de single, epé (siglas de extended play, disco de cuatro canciones) y elepé (de long play, álbum de larga duración). Hasta 1965, con decenas de canciones publicaron seis elepés: "Please Please Me" (1963), grabado íntegramente en un solo día. Después siguieron con "With The Beatles", del mismo año. "A hard day´s night" (1964) "Beatles for sale" (1964), "Help!" (1965) y "Rubber Soul" (1965). Después le siguen Revolver (1966) y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967).
Su mejor disco, en mi opinion es Sargent Pepper's, con la psicodelia como eje central del disco, considerado EL DISCO MÁS INFLUYENTE DE TODOS LOS TIEMPOS, incluido en los 100 mejores albumes de rock. Al parecer es fruto de una inspiración de Paul al escuchar Pet Sounds, uno de los trabajos de Beach Boys.
El 10 de Abril del año 1970, McCartney hace pública su separación del grupo, cuyas disputas legales con el resto del grupo no cesan hasta varios años después. Al mes siguiente salió publicado en EEUU el el que sería el último álbum, "Let it Be". Después de la separación todos los miembros grabaron discos en solitario, solo Lennon y McCartney siguieron manteniendo cierto éxito.
Altamente recomendable, para fans y no tan fans, ver la pelicula BackBeat de 1994 que relata los primeros años de la banda y sus periplos musicales en Hamburgo.

Fuente: http://www.wikipedia.es/

SELECCIÓN DE CANCIONES DE LOS BEATLES:
  















DATOS CURIOSOS SOBRE LOS BEATLES:

¿Sabiais que han declarado el paso de cebra de Abbey Road patrimonio histórico? Si vais a Londres y os haceis la típica foto podeis llamar a casa y a través de la siguiente página web os verán en directo: http://www.abbeyroad.com/visit/

No tiene desperdicio la leyenda urbana de "Paul is Dead". Esta loca teoría conspiratoria se explica en el siguiente video:

 
La tapa blanca del album White Album de los Beatles derivo de las continuas discusiones que tenian en ese momento en la banda, y como no se ponian de acuerdo lo hicieron asi, en blanco.

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ROLLING STONES

La historia musical de los Rolling Stones comienza en 1960, cuando Mick Jagger y Keith Richards, dos viejos compañeros de estudios, comienzan a compartir su pasión por la música y el rythm & blues. Al año siguiente crearon un grupo, 'Little Boy Blue and Blue Boys", junto a Jack Taylor.
En 1962 conocen a Brian Jones. Este se une al grupo de Richards, Jagger y compañía y deciden renombrar el grupo. El nuevo nombre elegido: 'The Rolling Stones', estaba inspirado en un viejo tema de Muddy Waters, 'Rolling Stones Blues'. Pronto se incorporó Charlie Watts, junto al pianista Ian Stewart.
Ese mismo año Bill Wyman sustituye a Taylor y en 1963 lanzan su primer sencillo, 'Come On', una versión de una canción de Chuck Berry. Por aquél entonces sólo se dedicaban a realizar versiones de temas conocidos. Ese año realizan su primera gira por Gran Bretaña.
En 1964 publican el primer álbum, 'The Rolling Stones', el cual sólo disponía de una canción creada íntegramente por los Rolling Stones. El resto eran versiones de otros artistas. Pero no se limitaban a versionear. El fuerte ritmo que imprimen a los temas y la agresividad que adoptan en sus intrumentos les confiere un aire propiamente suyo. Realizan dos giras por Estados Unidos y aparecen en el show de Ed Sullivan.
Fuera del escenario los expertos de marketing querían darles a conocer como los chicos malos del pop/rock, en contraposición con los Beatles, que podrían ser considerados los chicos buenos.
Así, eran constantes los escándalos en que se veían salpicados. Unas veces eran detenidos por orinar en público, otras por posesión de drogas y así uno tras otro.
Hasta la década de los noventa sacaron prácticamente un disco por año y el último lo lanzan en el año 2005 "A bigger band" con una diversa colección de canciones de rock y blues con mucha fuerza y contundencia. Con una relación de 16 temas, es el álbum con temas nuevos más largo de la banda desde el 'Exile on Main Street' de 1972. El título refleja su fascinación por la teoría científica sobre el origen del Universo.

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LED ZEPPELIN

LED ZEPPELIN

Page era uno de los guitarristas más solicitado en Gran Bretaña. De hecho hay grabaciones de The Who o Rolling Stones, solo para citar algunos ejemplos relevantes, que contaron en alguna grabación con la guitarra de Jimmy Page.En 1968 Page abandona a los míticos Yardbirds. Decidido a conformar una banda de rock busca reclutar músicos para su nuevo proyecto y, por amigos en común, llega a conocerse con quien seria la voz de los Zeppelin: Robert Plant.
Al enterarse de la idea que Page tenia para el sonido de la banda, Plant le recomienda para la batería a un tal John Bonham, que tocaba con él y que era realmente una aplanadora. Casi no terminaban de formarse cuando en ese año, Chris Greja abandona el grupo, y John Paul Jones, se colgaría el bajo, dándole la pincelada final al cuadro de Led Zeppelin.
Antes del final de 1968, Led Zeppelin graba su primero disco, unas módicas treinta horas para ser grabado y la novedad músical de la época estaba lista para sorprender al mercado. Puro Rock And Roll y a partir de entonces la máquina no se detendría hasta transformarse en una de las bandas más respetadas e influyentes por quienes luego cultivaron el heavy metal, el hard rock y hasta el rythym and blues.
Como toda máxima del rock, la cosa debía ser rápida y consumirse en sus llamas y Led Zeppelin no se consumió, se desgasto tanto que termino como el zeppelin de su primera portada explotando de adentro hacia afuera: pero por supuesto, dejando tras de sí una de las páginas más importantes de la historia del rock and roll. Hay una explicación acerca de la simbología del grupo y su origen: http://personal5.iddeo.es/aol000zb/zep/bio/simbolos.html

DATOS CURIOSOS:

El nombre de la banda Led Zeppelin surgio a raiz de un mal chiste de Keith Moon (baterista de la banda The Who) que dijo que la banda fracasaria como un Zeppelin de plomo. Sin embargo, el bajista de The Who, John Entwistle, posee su propia versión de los hechos: “Después de cuatro años empecé a estar harto de los Who, así que hablé con un tío que ahora es jefe de producción de Led Zeppelin. Estaba hablando con él en un club, en Nueva York, y le dije ‘Sí, estoy pensando en dejar el grupo y formar el mío. Lo voy a llamar ‘Led Zeppelin’. Y como portada del disco voy a poner el Hindenburg en llamas, ya sabes, todo este negocio…’ Y unos dos meses después, empezó a trabajar con Jimmy Page, y como estaban buscando un nombre, él sugirió ‘Led Zeppelin’, a Page le gustó y salieron con la misma portada de disco que yo había planeado

DISCOGRAFÍA
Led Zeppelin (1969), Led Zeppelin II (1969), Led Zeppelin III (1970), Led Zeppelin IV (1971), Houses of the Holy (1973), Physical Graffiti (1975), The Song Remains the Same (1976), Presence (1976), In Through the Out Door (1979), Coda (1982), BBC Sessions (1997), How the West Was Won (2003) y Mothership (2007).


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Video Sugar Mama (rare recording)



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BOB DYLAN

BOB DYLAN

Músico, cantante y poeta estadounidense. Su verdadero nombre es Robert Allen Zimmermann. Nació en Duluth, Minnesota (Estados Unidos) en 1941, en el seno de una modesta familia de comerciantes judíos, con los que se trasladó cuando era muy pequeño para establecerse en una aldea de la frontera con Canadá. Será allí, en un ambiente tedioso y muy influido por el trabajo de las minas, donde empezará a estudiar música (piano, guitarra) y a escribir sus primeros poemas. Algunas biografías atribuyen al joven Bob una gran precocidad, pues a los 11 años ya toca con soltura la armónica y escribe sus primeras canciones. A los 16 años había formado su primera banda, Golden Chords. En 1960 se traslada a Minneapolis para estudiar letras y al año siguiente abandona las aulas para frecuentar la bohemia de la ciudad y actuar en público con su nuevo nombre, Bob Dylan, adoptado en homenaje al poeta galés Dylan Thomas. Deslumbrado por la personalidad del poeta y cantante folk Woody Guthrie, compone un tema que adquirirá fama, Song to Guthrie , y que caracteriza sus comienzos artísticos. Bob Dylan es un joven comprometido en la lucha contra la injusticia y quiere seguir la senda que, desde esta perspectiva, han trazado algunos poetas y cantantes como Pete Seeger o Jack Elliot y sus ídolos malditos: Rimbaud, Eliot o Brecht. Al año siguiente Dylan se traslada a Nueva York y, empujado de sus querencias bohemias, frecuenta el Greenwich Village, donde trabará relación con diversos artistas del mundo del folk y del blues y, siguiendo su estímulo, comienza a cantar en algunos programas en directo, lo que le llevará a grabar su primer disco, Bob Dylan, que supone un fracaso comercial. A este trabajo seguirán en 1963 los álbumes 'The Freewhelin´ Bob Dylan y 'The Times They Are A-Changin', que le consagran como uno de los representantes más destacados de la nueva ola de compositores de canción protesta.



Dylan colabora con algunas de las organizaciones que defienden los derechos cívicos y se oponen al belicismo que su país mantiene en política exterior, así como a las desigualdades sociales que impregnan de pobreza grandes capas de la sociedad americana. Su lenguaje deslumbra por su carácter renovador, discurriendo entre la modernura de la parodia y la profundidad de la metáfora, lo que le aporta un aura casi profética. Cuando por esos años Dylan proclama, ante la decepción de los sectores juveniles, que "la respuesta está en el viento", su mensaje radicalmente pacifista conquista a multitud de adeptos que ven en él una representación de la esperanza. En esa época comienza su relación con Joan Baez, consagrada por el éxito de ambos en el festival folk de Newport de 1963. Los dos son proclamados reyes del folk y simbolizan las ilusiones poéticas y materiales de las generaciones más jóvenes frente a la tragedia que supone la muerte de John Fitzgerald Kennedy (22 de noviembre). Está aún por producirse el primer cambio traumático en la trayectoria de Bob Dylan, del que es anuncio el álbum 'Another Side' of Bob Dylan (1964) y confirmación 'Bringing All Back Home' (1965). Este último trabajo, más intimista, sentimental, pero aun así resuelto, despertaría las iras de sus seguidores, puesto que representaba el paso del profeta del folk a la música eléctrica.

La grabación del tema 'Like A Rolling Stone' le confirma como una figura consagrada a escala internacional, fiel a su propio mundo: sus temas escalan las listas comerciales de Estados Unidos y Reino Unido, y poco a poco el resto del mundo. No obstante, en su país es un incomprendido y así se aprecia cuando edita el doble álbum Blonde On Blonde (1966), que describe las experiencias de sus últimos años, subrayando su alejamiento de la vida pública, sus desengaños amorosos y sus relaciones con diversas drogas, así como un accidente del que hubo de recobrarse durante una larga convalecencia. En 1969 publicará Tarántula, un volumen donde da espacio a su vena poética, aunque en el momento de su aparición fue considerado como un tratado anfetamínico. Es el acid rock, que compaginará con periódicos retornos al folk, al country y a las baladas amorosas. Mantendrá la misma línea en trabajos posteriores, como Self Portrait (1970), 'Pat Garret and Billy The Kid' (banda sonora de la película homónima dirigida en 1973 por Sam Peckinpah) y otro de sus temas estelares, versioneado en múltiples oportunidades por los artistas más variopintos: 'Knocking´ On Heaven s Door' . A este seguirán 'Dylan' (1973), 'Planet Waves' (1974), 'Blood On The Tracks' (1974), 'Basement Tapes' junto a The Band (1975), y filmaría además una película de casi cuatro horas de duración, titulada Reinaldo y Clara, vapuleada por la crítica. Sus trabajos siguientes son 'Hard Rain' (1976) y 'Street Legal' (1978), discos que abundan en los aspectos más oscuros de su personalidad. Se abre así un periodo caracterizado por el predominio de las melodías y los tonos suaves: Bob Dylan ha vuelto a cambiar, aunque permanece fiel a sus mitos poéticos personales y más acendrados, y a las causas por las que siempre mostró simpatía: Woody Guthrie y un rico y apasionado subjetivismo que se expresa a través de ciertos motivos místicos (la cruz, la redención), de sus reflexiones sobre la injusticia, la lucha contra la opresión y el racismo (el tema Hurricane se convirtió en un himno contra la discriminación) y constantes recuerdos de amor y desamor. Por esos años aparecerán At Budokan (1978), Slow Train Coming (1979), que ya auguran nuevos cambios ante la nueva época, cristalizando en Saved (1980), Shot Of Love (1981), Infidels (1983), Empire Burlesque (1985), Biograph (1985) y Oh Mercy (1989), además de multitud de discos recopilatorios y antologías. En los últimos años sus giras han sido incontables, renaciendo su figura cada cierto tiempo por sus colaboraciones con bandas como Greateful Dead, Tom Petty y los Heartbreakers y amigos como Sam Shephard, Carole Bayer Sager o Emilou Harris, coautores de algunos de sus últimos temas desde los años ochenta. En 1995 Dylan ganó un premio Grammy por el vídeo de su canción World Game Wrong , que avaló la grabación de un Unplugged, modalidad tan en boga a finales de este milenio. Asimismo su curiosidad por los avances técnicos, al igual que grupos progresivos como Yes, The Rolling Stones o figuras individuales como Prince, Peter Gabriel o David Bowie, le ha llevado a grabar un CD-Rom interactivo, Highway 61, que incluye el concierto celebrado en su homenaje en 1993 en el Madison Square Garden de Nueva York.
Su último disco Modern Times, aunque en ocasiones no tiene muy buena crítica es mortalmente bueno y es también imprescindible el material de "The Bootleg Series", en especial las entregas en directo en 1966 y 1975.
Altamente recomendable el documental "No Direction Home" de Martin Scorsese, sobre la vida de Bob Dylan.
El 30 de Noviembre de este año (2010) la casa de subastas Sotheby´s ha comunicado que va a poner en venta la canción manuscrita 'The Times They Are a-Changin', cuyo precio de salida será de 250.000 dolares aproximadamente.


Las opiniones acerca del talento de Bob Dylan son dispares:


-"Bob suena como si sus canciones tuvieran 300 años pero hubieran sido escritas ayer. Lo más importante de Dylan es la poesía que hay en sus canciones, que trascienden su propia música."

Martin Scorsese.

-"Siempre he pensado que Dylan era un farsante. Desde luego no es un muchachito que canta canciones líricas. Es un oportunista que quiere hacer carrera y sabe muy bien dónde va. Además, es un hipócrita. Nunca he comprendido por qué le gusta a la gente. No sabe cantar."

Truman Capote.

-"Bob Dylan es una fuente de inspiración para todo tipo de escritores."

Salman Rushdie.

-"Bob Dylan y The Band son lo más fuerte que he escuchado en mi vida."

Marlon Brando.

-"Tres versos de Bob Dylan justifican cualquier galardón, incluso el Nobel de Literatura."

Nicanor Parra.

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29 noviembre 2010

LOS ARTÍCULOS DE DIEGO A. MANRIQUE (EL PAÍS)

DIEGO A. MANRIQUE

Especializado en crítica musical desde 1975, ha trabajado en prensa escrita, televisión y sobre todo en radio. Está considerado como una de las máximas autoridades en materia de música actual en España y es además un gran coleccionista de música teniendo una de las colecciones de música más importantes del país.
Comenzó estudios de Derecho, que sin embargo nunca terminó. Se inició como periodista en el semanario Triunfo. Manrique se puso en contacto con la revista para criticar la pobreza de los artículos que publicaba sobre música rock. Desde la publicación le sugirieron que enviara él algo mejor. Manrique aceptó el reto.[1] Poco después se incorporó a Radio Castilla, de Burgos. Durante los años setenta y ochenta colaboró en revistas como Vibraciones, Rock Especial, Todas las Novedades y todo tipo de publicaciones que incluyeran una página dedicada a la música rock.
Entre los años 1979 y 1980, colaboró junto a Carlos Tena en el programa sobre vanguardias musicales Popgrama de Televisión española. En los siguientes años volverían a coincidir en Caja de ritmos (1983) —del que fue guionista— y Pop Qué (1984). También trabajó como guionista en los programas ¡Qué noche la de aquel año! (1987) y FM 2 (1988).
Desde 1992 hasta 2010 condujo el programa El Ambigú en Radio 3 de Radio Nacional de España, emisora en la que ya había dirigido Sólo para ellas (1984). Compaginó esa labor con las críticas musicales en el diario El País y El País Semanal.
Fundador de la revista Efe Eme, actualmente sigue colaborando ella de manera puntual, así como en Rolling Stone.
Desde agosto de 2007 dirige el programa La Madriguera en Radio 1 de Radio Nacional de España.
En mayo de 2008 es nombrado director adjunto de Radio 3.
Ha sigo galardonado con el Premio Ondas Nacionales de radio en 2001.
El febrero de 2009 recibío el premio Backstage que entrega la APM (Asociación de promotores de Música de España)

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28 noviembre 2010

BUDDY GUTHRIE

BUDDY GUTRHIE


Woodrow Wilson Guthrie (Okemah, Oklahoma, 14 de julio de 1912 – Nueva York, 3 de octubre de 1967), conocido como Woody Guthrie, fue un prolífico e influyente músico folk estadounidense, conocido por su identificación con la gente común, los pobres y los oprimidos, así como por su odio al fascismo y la explotación. Es universalmente conocido por su canción «This Land Is Your Land». 

Vida y carrera
Guthrie nació en Okemah (Oklahoma), el 14 de julio de 1912. Sus padres le dieron el nombre del presidente Woodrow Wilson, elegido ese mismo año.
A los 19 años, dejó su hogar para instalarse en Texas, donde conoció y se casó con Mary Jennigs, con la que tendría tres hijos, Gwen, Sue y Bill. Por entonces hizo su primer intento -que no prosperó- de dedicarse a la música, formando junto con Matt Jennings y Cluster Baker The Corn Cob Trio. Se vio obligado, a causa del Dust Bowl, a abandonar a su familia en Texas y marchar a California, junto con numerosos granjeros y desempleados del Medio Oeste, genéricamente conocidos como "okies" (de Oklahoma), aunque procedían también de otros estados, como Kansas, Tennessee, Georgia y el mismo Texas. Hambriento y sin dinero, viajó hasta California, siendo testigo de la terrible pobreza de sus compatriotas. La huella de estos viajes se encuentra en muchas de sus canciones, como "I Ain't Got No Home", "Goin Down" the "Road Feelin' Bad", "Talking Dust Bowl Blues", "Tom Joad" o "Hard Travelin'". En 1937 se hizo famoso en Los Ángeles, junto con Maxine Lefty Lou Crissman, tocando en la radio música hillbilly y folk. Trabajando para la emisora KFVD, propiedad de un dirigente del ala izquierda del Partido Demócrata, Guthrie empezó a componer e interpretar canciones-protesta. Durante esos años (1939-1949) escribió a diario una columna de opinión para el periódico del Partido Comunista, People’s Daily World, acerca de la problemática de los inmigrantes del Medio Oeste en California. Militó también durante algunos años en el sindicato Industrial Workers of the World.
En 1939 se trasladó a Nueva York, donde se integró en el ambiente político izquierdista. Por entonces hizo sus primeras grabaciones de importancia: varias horas de conversación y canciones, que fueron grabadas por el folclorista Alan Lomax para la Biblioteca del Congreso, y un álbum, "Dust Bowl Ballads", para la compañía RCA Victor, en Camden, Nueva Jersey. Empezó a escribir una narración semiautobigráfica sobre sus experiencias en los años del Dust Bowl, Bound for Glory, que se publicaría en 1943.
En 1940, Guthrie escribió la más famosa de sus composiciones, la canción "This Land Is Your Land", inspirada en sus experiencias viajando por todos los Estados Unidos, y elaborada como una respuesta a la canción «God Bless America», de Irving Berlin, que Guthrie consideraba demasiado complaciente y poco realista (estaba harto de escuchársela cantar en la radio a Kate Smith). La melodía está basada en la de una canción gospel, "When the World's on Fire", que The Carter Family popularizó hacia 1930.
En mayo de 1941, Guthrie recibió el encargo del departamento de interior de escribir canciones acerca del río Columbia y la construcción de las presas federales. Son conocidas sus canciones "Roll On, Columbia" y "Grand Coulee Dam". Por esa misma época, conoció a Pete Seeger y se unió al grupo Almanac Singers, con el que realizó giras por todo el territorio de Estados Unidos. Se trasladó a vivir a la cooperativa Almanac House, en Greenwich Village.
Aunque anteriormente habían cantado canciones pacifistas, Guthrie y los Almanac Singers, en sintonía con la causa comunista (aunque Guhrie no llegó nunca a ingresar en el partido), adoptaron un beligerante antifascismo. Es famosa la frase que Guthrie escribió en su guitarra: "This Machine Kills Fascists" ("Esta máquina mata fascistas"). El músico se enroló en la marina, en la que sirvió junto al también cantante folk Cisco Houston, y después en el ejército. En 1944 conoció a Moses "Moe" Asch, de Folkways Records, para quien grabó por vez primera "This Land Is Your Land", y muchos otros temas en los años siguientes.
En 1942 conoció a Marjorie Mazia, con la que contrajo matrimonio en 1945, mientras se encontraba de permiso. Se instalaron en una casa en Mermaid Avenue, en Coney Island, y tuvieron cuatro hijos, incluyendo a Cathy, que murió a los cuatro años en un incendio, lo que causó a Woody una fuerte depresión. Su hijo Arlo sería también un famoso cantautor. En esta época, Woody escribió Songs to Grow on for Mother and Child, una colección de canciones infantiles, en la que se incluye el tema "Goodnight Little Arlo (Goodnight Little Darlin')", escrito cuando Arlo tenía sólo nueve años.
Por esta época, Guthrie escribió algunas canciones emblemáticas. El accidente de un avión que en 1948 se estrelló transportando a 28 campesinos mexicanos que iban a ser deportados, le inspiró el poema "Deportee (Plane Wreck At Los Gatos)". Una década más tarde, Martin Hoffmann le puso música; entre los más conocidos intérpretes de esta canción se cuentan Pete Seeger, Bob Dylan, The Byrds, Dolly Parton y Arlo Guthrie. Otra canción de esta época, "Pastures of Plenty", se hace también eco de los sufrimientos de los trabajadores inmigrantes.
A finales de la década de 1940, la salud de Guthrie empeoró. Mostraba una conducta errática. Abandonó a su familia y viajó a California con Ramblin' Jack Elliott. Allí contrajo un tercer matrimonio y tuvo otro hijo, antes de regresar finalmente a Nueva York. Se le diagnosticó inicialmente alcoholismo y esquizofrenia, pero se terminó descubriendo que padecía la Enfermedad de Huntington, que había causado la muerte de su madre. Estuvo ingresado en el Greystone Park Psychiatric Hospital de 1956 a 1961, y, posteriormente, en la Creedmoor Mental Institution en Queens, donde falleció el 3 de octubre de 1967.

Influencia
Cuando murió, su obra había sido redescubierta por una nueva generación de músicos folk. Bob Dylan, quien lo visitó en los últimos años de su vida y dijo de él que era "su último héroe", escribió un homenaje de cinco páginas a Guthrie, Last Thoughts on Woody Guthrie, y le dedicó "Song to Woody", una de las canciones de su primer álbum, titulado simplemente Bob Dylan. Phil Ochs incluyó en su disco de debut, All the News That's Fit to Sing, la canción "Bound for Glory", que era tanto un homenaje a Woody como una crítica a la actitud de los que preferían olvidar el radicalismo socialista del cantautor.

El vocalista, guitarrista y compositor de The Clash Joe Strummer lo nombró reiteradamente como una de sus mayores influencias y, a modo de homenaje, usó el seudónimo Woody Mellor durante sus primeros años como músico.
Aunque fue inicialmente objeto de una gran polémica, una estatua en honor de Woody Guthrie se alza en el Memorial Park en la calle principal de su ciudad natal, Okemah. También en Okemah, se celebra anualmente en su memoria el Festival de Folk Woody Guthrie. Lo organiza la Woody Guthrie Coalition, fundada por la hermana de Guthrie, Mary Jo Edgmon.

Hay un film que retrata la vida de Woody, "Esta es mi tierra" ('Bounds of Glory') del director Hal Ashby.



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THIS LAND IS MY LAND
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